Le blog interligne d' Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE

Etudiant le tableau de la Joconde, Pascal Cotte, ingénieur français et fondateur de la société Lumiere Technology, a découvert un portrait caché derrière celui de Mona Lisa. Cinq siècles après sa conception, la Joconde de Léonard de Vinci, tableau le plus célèbre du monde, n’en finit pas de fasciner. Nombreux sont ceux à avoir tenté d’en déceler les secrets. Or, Pascal Cotte semble en passe d'élucider le mystère ou, du moins, une partie essentielle. Sa découverte a donné lieu à une émission passionnante sur Arte samedi 21 janvier 2017, dirigée par Andrew Graham-Dixon, où le spécialiste explique avoir identifié le portrait d’une autre femme caché sous le sourire énigmatique de la Joconde. Une analyse multispectrale est à l’origine de cette découverte.  L’incroyable conclusion découle de six années de recherche. Durant tout ce temps, Pascal Cotte a étudié le tableau dans ses moindres détails en utilisant une technique connue sous le nom de Layer Amplificator Method (LAM), littéralement "méthode des couches augmentées". La technique consiste à projeter sur l’œuvre d’intenses faisceaux de lumière dans 13 différentes longueurs d'onde, afin de mesurer les quantités de lumière renvoyées. Les mesures, effectuées à l’aide d’un posemètre, ont révélé les couches pigmentaires utilisées par Léonard de Vinci. "Nous pouvons maintenant analyser exactement ce qui se passe à l'intérieur des couches de la peinture et nous pouvons les peler comme un oignon » - explique Pascal Cotte. « Nous pouvons reconstruire ainsi toute la chronologie de la création du tableau"- ajoute-t-il. En effet, les résultats indiquent la présence de quatre phases différentes ou images sous la surface de la Joconde. Parmi celles-ci, la troisième image est le portrait d’une femme qui n’est pas la Mona Lisa du Louvre. D'apparence plus jeune, cette dernière présente des traits plus fins, un regard dans le vide et n’affiche aucun sourire. "Je me suis trouvé face à un portrait totalement différent de la Mona Lisa d'aujourd'hui. Ce n'est pas la même femme"- poursuit-il. Selon lui, il pourrait s'agir de la véritable Lisa Gherardini, la jeune femme  qui aurait servi de modèle à Vinci. Une hypothèse qui remet en question l'identité de Mona Lisa. « Ces résultats font exploser en éclats de nombreux mythes et changent notre vision du chef-d’œuvre » - souligne  l’ingénieur qui avoue ne pas être capable de déterminer à quel intervalle de temps les deux œuvres ont été peintes. Pour d’autres spécialistes, en revanche, ces conclusions sont à tempérer. Certains ont d’ores et déjà émis de vives critiques à l’encontre des travaux de Pascal Cotte, dont les résultats n’ont  pas encore été soumis à une évaluation par ses pairs, processus standard permettant de vérifier leur véracité. De même l'interprétation qu'en fait le spécialiste ne fait pas l’unanimité. "Une apparence différente n’induit pas forcément l’hypothèse qu’il s’agit de deux personnes différentes" - suggère Claus-Christian Carbon, chercheur allemand et auteur d’une étude stéréoscopique du tableau. "Je suis assez sceptique, parce que l'hypothèse la plus simple est toujours la meilleure, je pense, c'est juste que le portrait a changé un peu". Divers chercheurs ont également appuyé la théorie selon laquelle les deux portraits retraceraient en réalité l’évolution de Mona Lisa. Il est courant qu’un artiste peigne une seconde version et réalise des modifications jusqu’à ce qu'il puisse atteindre le résultat final voulu  par le commanditaire du tableau. Il est vrai que Léonard commençait toujours par une esquisse et qu’il ne cessait de gommer certains éléments pour passer d’une étape à une autre. Ainsi élaborait-il ses tableaux couche par couche.

Ces révélations remettent néanmoins tout en question. Il y a 500 ans, un homme a peint une femme et a mis dans cette œuvre tout son génie. Or, à l’époque, on sait que Vinci était davantage passionné par ses recherches d'ingénieur que par l’exécution de commandes de portraits officiels, ceux des personnalités en vue à Florence, comme on le lui réclamait. Alors pour quelles raisons aurait-il accepté de faire celui de la fille d’un artisan, mariée à un marchand, Francesco del Jocondo, un homme peu affable de surcroît. Est-ce parce que le père de Lisa demeurait dans une maison juste en face de celle du père de Léonard, notaire à Florence ? Peut-être, cet artisan, ami de son père, avait-il rendu des services à la famille et Léonard a-t-il voulu faire plaisir à sa fille ?  Toujours est-il que Lisa n’était pas une grande dame. Et est-ce vraiment la version découverte par Pascal Cotte qui est la vraie Lisa, alors que celle du Louvre en serait une autre ? En effet, la première esquisse représente une femme plus jeune, moins mystérieuse, qui ne sourit pas et pose comme le ferait n’importe quelle jeune femme, irradiant moins de mystère et plus de naturel. Autre fait curieux, ce tableau n’a jamais été entre les mains du couple, Léonard de Vinci l’ayant toujours conservé par-devers lui, pour le reprendre ensuite et exécuter la Joconde que nous connaissons. Alors, pourrait-il y avoir plusieurs Joconde ? Car il existe également  la Mona Lisa de Isleworth, œuvre de jeunesse de Vinci représentant une femme plus jeune également et dont les experts ont reconnu qu’elle était de la main du grand peintre. Ce portait-là était-il la version définitive qui fut remise au mari de Lisa ?  On sait aussi que Raphaël a dessiné une esquisse d’après la Joconde qu’il avait vue dans l’atelier de Léonard et qui avait dû le frapper pour qu’il en reproduise le visage et, ce visage-là, est curieusement celui qui apparaît comme la première version, celle découverte par l’ingénieur Pascal Cotte sous l’officielle Joconde du Louvre. Mais qui est alors la Joconde que nous connaissons et que Léonard a eu soin d’emporter avec lui en France lorsqu’il a été invité à s’y installer par François Ier ?

Pascal Cotte suppose que Léonard a réalisé sur ce même support, qui avait servi à la première esquisse du portrait de la jeune Lisa, l’épouse de Francesco, une œuvre plus mâture commandée par son protecteur italien Julien de Médicis et qui représenterait une femme mythique, un amour inoublié du prince auquel Vinci a souhaité conserver la pose délicate de la jeune Lisa, avec ses mains posées l’une sur l’autre et cette interrogation dans le regard. Cette œuvre frappe d’autant plus qu’elle est l’incarnation du savoir, tout ce que Vinci avait découvert, au fil des années, sur la nature humaine et sur l’univers. Ainsi, postérieure à l’œuvre initiale, elle représente l’aboutissement et la conclusion d’une quête permanente, celle d’un génie qui n’a cessé de questionner l’être et le monde.

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Cher Père Noël,

Il m'arrive de me demander si, par hasard, tu n'aurais pas pris ta retraite sans prévenir personne et  si, lassé de voir la planète se déchirer en permanence, tu ne te serais pas enfui vers des cieux plus cléments ? Néanmoins, je tente encore de t'écrire cette lettre que je confie à la bonne grâce de quelque pigeon voyageur, de quelque oie sauvage, de quelque oiseau migrateur qui connaissent mieux que moi les voies rapides du firmament. Vois-tu, j'avais une idée à te proposer cette année car tu sais bien qu'il n'est pas question que je charge davantage ta lourde hotte en te réclamant des cadeaux pour mes petits-enfants. Ma suggestion est simple : celle que tu te refuses à gâter qui que ce soit, même le plus adorable, le plus tendre, le plus sage des enfants, tant que des bombes iront en tuer des milliers dans certains pays. Oui, pas de gâteries pour les uns alors que les autres voient tomber du ciel une mort cruelle !

Sans doute mon idée rejoint-elle la tienne et hoches-tu du chef en te disant intérieurement que prendre ta retraite signifierait que tu éteins la dernière étincelle de merveilleux qui subsiste dans l'univers ? Mieux vaut que tu te contentes de faire grève aussi longtemps que le bruit des armes retentira, semant la mort alentour. Trêve de Noël ou mieux que cela : sainte colère face à l'inadmissible cruauté qui inspire aux hommes des actes barbares. 

Ta hotte restera probablement vide en ce mois de décembre 2016. Je te suppose blême de rage et invitant tes rennes à un repos partagé jusqu'à nouvel ordre, confiant  aux parents le soin d'assumer eux-mêmes le Noël de leurs petits. "Où sont mes frères, mes amis, mes semblables" - te désoles-tu - "dans ce monde fracturé de toutes parts ?" Je ne doute pas qu'une larme de mélancolie glisse au long de ta joue. Cher Père Noël, je t'embrasse en souhaitant que le monde devienne meilleur et que tu nous reviennes l'an prochain avec la "petite espérance" blottie sur ton épaule.

Armelle

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Lettre au Père Noël 2017

Lettre au Père Noël 2015

Lettre au Père Noël 2013

Lettre au Père Noël 2012

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« Si j'ai écrit ce livre, c'est pour tirer les leçons d'une vie passée avec les animaux depuis la petite enfance, à la ferme, puis en ville. Au fil des pages, je vous parlerai de plusieurs de mes amis auxquels, si grands soient mes hommages, je ne pourrai jamais rendre les bonheurs qu'ils m'ont donnés, avec leur candeur et leur humour : un jeune bouc, un vieux perroquet, des chats, des araignées, des bovins ou des chiens.
Pourquoi traitons-nous avec tant d'égards les animaux de compagnie, substituts de l'homme, et si mal les bêtes à manger, machines à fabriquer de la viande ? Alors que nous consommons chaque année des milliards d'animaux issus de la terre et de la mer, il est temps que nous descendions de notre piédestal pour les retrouver, les écouter, les comprendre.
J'ai voulu aussi lancer un appel pour que cesse le scandale des abattages rituels, halal ou casher, qui imposent à nos sœurs et frères les bêtes des mises à mort dans d'inutiles souffrances. »

Oui, en sortant «  L’animal est une personne », Franz-Olivier Giesbert réclame ni plus ni moins des droits pour nos amis les bêtes et dénonce la cruauté de l’abattage rituel qui règne en maitre sur notre pays. Cet ouvrage ne pouvait que m’enchanter et touchera un vaste public sensibilisé lui aussi à la cruauté qui sévit encore en ce début de XXIe siècle à  l’intention de la gent animale.

Mais écoutons-le parler et nous donner les raisons qui  l’ont incité à pousser ce cri d’alarme, et à se faire l’avocat d’un monde privé de parole mais non de sensibilité et d’intelligence.

« Je suis végétarien depuis que j’ai 18 ans. Longtemps, je ne le fus pas à 100%. Je faisais beaucoup d’écarts ou de compromis pour ne pas froisser mes hôtes mais, avec le temps, j’ai tendance à devenir plus radical. Sans être prosélyte, je refuse toute viande depuis des années. Quant aux poissons, à cause des études scientifiques de la dernière décennie, qui montrent leur intelligence et leur sensibilité, je n’en mange pratiquement plus. L’homme est-il carnassier de nature ? Nullement. Tout comme chez les frugivores, son appareil digestif est une dizaine de fois plus long que son corps, loin devant les carnivores ou les omnivores, et ses canines arrondies, ses molaires aplaties ainsi que ses enzymes salivaires sont particulièrement adaptés à une alimentation qui devrait être seulement végétale. Mais rompu à la chasse et à la pêche, puis à l’élevage, il a décidé de hiérarchiser la mort des autres espèces. Si les animaux de compagnie sont épargnés, rien de tels pour les bovidés, ovidés, caprins et volailles. Et tout ce monde-là se retrouve dans nos assiettes, et il convient de s’interroger sur le modus operandi de cette sanglante affaire…

L’élevage industriel, d’abord, est une horreur. On sait ce que valent ces fermes et ces interminables hangars confinés où l’on bourre les animaux d’antibiotiques, où l’espace vital est si rare que leurs squelettes en sont affectés, où la captivité est si atroce que ces pauvres êtres déplumés, pelés, aux becs rognés, ou à qui l’on arrache les dents pour éviter qu’ils ne s’entre-déchirent, ne savent plus distinguer la nuit du jour. Je conçois qu’on puisse élever des bêtes pour les manger, mais à des conditions décentes, en plein air, et qu’on les tue sans douleur. L’abattage ne doit pas être cette boucherie infernale où l’homme retourne aux temps les plus obscurs de la barbarie.

Il y a une quinzaine d’année, le halal comme le casher étaient totalement marginaux. Peu à peu, le halal s’est développé, provoquant une tragique régression du système. Et tout cela sous couvert de mensonges : la bête ne souffrirait pas et la viande serait meilleure. Rien de plus faux. Qui tue mal, mangera mal, car la bête affolée fabrique des toxines. Lorsqu’elle est enfermée dans un cylindre pivotant afin que sa tête se retrouve en bas pour un égorgement à vif, sans anesthésie, le stress est maximal. Les bovins particulièrement, de par leur morphologie  artérielle et  veineuse, mettent très longtemps à mourir.  Mais on commence déjà à les sortir, à leur trancher les pattes pour les dépecer vivants. Notre société toute  entière est responsable de cet immonde état de fait. Ce que l’Europe du Nord et des pays tels que la Nouvelle-Zélande interdisent, la France, patrie des droits de l’homme, mais assurément pas des animaux, l’autorise en fermant les yeux.  Le halal, qui s’oppose à l’étourdissement électrique, règne aujourd’hui en maître sur nos abattoirs. On y patauge dans l’horreur, le sang et la souffrance. Alors que la demande de viande halal ou casher devrait correspondre à environ 10% des abattages totaux, on estime à 40% pour les bovins et 60% pour les ovins le volume des abattages rituels. C’est absolument intolérable dans un pays laïc. Ainsi produisons-nous des marées de bovins, d’ovins, les yeux exorbités, les pattes tremblantes dans la merde répandue au sol par les intestins relâchés par la peur, et crevant dans la douleur. A quand des abattoirs « humains », rituels ou non, pratiquant l’électronarcose ? A quand la fin de notre lâcheté, de notre avidité, de notre ignorance, de notre vanité, et la prise de conscience que l’homme a été fait pour le monde et non le monde pour l’homme ?

Oh ! je ne suis pas le seul à être sensibilisé à cet état de choses. Je peux le vérifier sans cesse, en écoutant, par exemple, les plongeurs sous-marins raconter leurs rencontres avec des mérous, poissons qui cherchent souvent à nouer le contact. J’ai vécu à Porquerolles, un vrai dialogue de regards et de caresses. On évoque l’intelligence des dauphins, mais les poulpes ne leur cèdent en rien : leurs capacité d’apprendre est foudroyante, et les scientifiques se demandent ce qui se passerait s’ils vivaient plus longtemps que les cinq ans qui constituent la moyenne de leur espérance de vie. Si elle varie selon les espèces, l’intelligence animale est une donnée scientifique de plus en plus aveuglante, tous les travaux concordent.

Elle a pourtant été niée pendant des siècles par l’Occident. Selon la conception monothéiste, Dieu aurait créé l’homme à son image et, à sa suite, les animaux et les plantes pour qu’il s’en repaisse. Décliné en philosophie, ce point de vue dominateur et utilitariste donne la théorie cartésienne ridicule et bouffonne de l’animal-machine qui ne réagirait que par réflexe. L’un des legs de notre grand philosophe aura donc été de rayer l’animal du monde des vivants. Pour lui, les bêtes étaient comparables à des horloges. Pour Kant, à des pommes de terre. C’est ainsi que le théologien cartésien Malebranche a un jour donné un coup de pied dans le ventre d’une chienne qui attendait des petits. Alors que la bête hurlait de douleur, il dit à Fontenelle, sidéré : Quoi, ne savez-vous pas que cela ne sent point ?"

Aujourd’hui, il y a, hélas, trop de disciples de Descartes et de Malebranche dans le monde. Ce sont eux que mon livre interpelle. Ils croient que le monde tourne autour des humains, qui surplomberaient la nature. Je mets aussi en question l’hypocrisie générale de nos sociétés où l’on milite contre la chasse et la corrida, voire le cirque, en refusant de voir ce qui se passe dans nos abattoirs. L’horreur est tolérable dès lors qu’elle n’est pas visible. C’est la définition même de la tartuferie : «  Cachez ce sang que je ne saurais voir. »

« L’animal est une personne » de Franz-Olivier Giesbert  ches FAYARD   -  198 pages   -   16 euros

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Le château de Versailles s’est enrichi récemment d’une exposition supplémentaire : celle des carrosse qui se tient dans la Grande Ecurie Royale, offrant aux yeux des visiteurs un ensemble somptueux de quelques-unes des merveilles sorties des mains des artisans de la Cour. C’est vers 1665, sous le règne de Louis XIV, qu’apparaissent les premières voitures modernes en France. La collection de Versailles, l’une des plus importantes d’Europe, ne se contente pas de nous dévoiler les voitures de voyage mais également celles de gala, richement décorées qui contribuèrent à la splendeur des grandes cérémonies de l’Histoire : baptême, mariage, sacre, funérailles. Certains de ces carrosses sont de véritables chefs-d'oeuvre. La plupart ont été malheureusement détruits à la Révolution comme tant d'autres oeuvres d'art, mais l’Empire et la Restauration ont eu à coeur de renouer avec les carrosses d'apparat, ceux présentés ici et remis en état par l'industrie des pneumatiques Michelin. En 1872, les carrosses céderont la place aux voitures hippomobiles de la Présidence, certes plus sobres mais moins élégantes.
 

Désormais sont réunis à la Grande Ecurie royale de Versailles quelques-uns des carrosses rénovés ou reconstruits pour accompagner les grandes heures de l’empire. Ils ont été utilisés le 2 avril 1810 pour le mariage de Napoléon  avec Marie-Louise d’Autriche. Ce jour-là, 40 berlines de grand luxe et plus de 240 chevaux descendront les Champs-Elysées jusqu’au jardin des Tuileries. Comme les rois avant lui, l’Empereur  manifeste son pouvoir et sa puissance par la grandeur et la beauté du cortège. Il veut surtout faire mieux que les précédents rois puisque, pour ce type d’événement, les Bourbons n’utilisaient que 30 carrosses.

Dix années plus tard,  il ne fallut  pas moins de douze jours de fête pour célébrer le baptême du duc de Bordeaux, seul et dernier héritier des Bourbons, dont la naissance inespérée le 29 septembre 1820 suivait de cinq mois l’assassinat de son père le duc de Berry au pied des marches de l'Opéra de Paris. Le baptême de celui qui refusera le trône de France au motif qu’il ne pouvait se rallier  au drapeau tricolore et passera à la postérité sous le nom de Comte de Chambord, est célébré en grande pompe : 27 carrosses forment le cortège, précédés et suivis de la garde royale à cheval. Au centre, la berline avec l’enfant, placé sur les genoux de sa gouvernante, aux côtés de sa sœur mademoiselle d’Artois. Le bébé représente l’avenir de la royauté, il est le petit- fils du comte d’Artois qui a succédé à ses frères Louis XVI et Louis XVIII et a accédé au trône sous le nom de Charles X. C’est la raison pour laquelle on a donné à son baptême un tel faste.

C’est toutefois avec le sacre de Charles X que la pompe  atteint des sommets. Après la Révolution et l’Empire, le nouveau monarque veut renouer avec les splendeurs du Roi-Soleil lui-même. La cérémonie se déroule en 1825 dans la cathédrale de Reims et le carrosse, conçu pour l’occasion, est si extraordinaire qu’il fait le voyage à Reims protégé dans une housse de toile avec des roues spéciales et moins ouvragées pour le temps du transfert. L’inhabituelle richesse des ornements de bronze en faisait un véhicule très lourd (près de 4 tonnes). Il resservira une ultime fois en 1856 lors du baptême du fils de Napoléon III. Les signes royaux sont alors remplacés par les emblèmes impériaux.

L’exposition nous permet de voir également des chaises à porteurs, de magnifiques traîneaux aux formes fabuleuses, uniques témoins de l’Ancien Régime avec la petite berline de Louis-Joseph, le premier enfant de Louis XVI et de Marie-Antoinette mort en 1789, où l’enfant malade prenait place afin de se promener un peu dans le parc de Versailles. Ainsi que la berline du futur Louis XVII, le second fils de Louis XVI et de Marie-Antoinette  que tirait deux animaux, sans doute des poneys, et que le petit garçon, qui mourra au Temple dans des conditions affreuses, se plaisait à conduire. C’est  bien entendu en hiver que les traîneaux étaient utilisés, lorsque la neige faisait son apparition au cours d’hivers rigoureux. Et ils furent nombreux. Ainsi le roi et ses courtisans faisaient-ils des courses dans le parc de Versailles. Louis XV conduisait le sien à vive allure, si bien que les duchesses avaient peur de monter à ses côtés. Plus tard la reine Marie-Antoinette organisera de grandes promenades agrémentées de collations. D’ailleurs, Versailles était la seule cour d’Europe où les femmes pouvaient conduire elles-mêmes leurs traîneaux.

La fabrication d’un carrosse impliquait la participation d'un grand nombre d'artisans. Le carrossier était en charge de la réalisation complète de la voiture, mais il travaillait en association  avec un dessinateur en voitures, un menuisier, un charron, un sculpteur, un peintre, un doreur, un serrurier, un miroitier, un lanternier  et un bourrelier. Au total, 25 corps de métiers se succèdaient. Leur savoir-faire était tel que du XVIIe au XIXe siècle, la qualité et l’élégance de la carrosserie française seront célèbres dans toute l’Europe.

Quant au nombre des chevaux attelés, il est également un signe de pouvoir et de prestige. Le roi attèle toujours 8 chevaux, la reine n’en utilise que 6… Mais seuls les deux premiers, les plus proches de la voiture, tirent la charge. Les autres ne sont là que pour la magnificence. D’un règne à l’autre, le nombre de chevaux dans les écuries royales ne cessera de croître : de 382 en 1684, on passe à 700 en 1715 et à plus de 2 000 en 1787. Les Ecuries Royales abritent aussi l’Ecole des Pages, où de jeunes nobles, désignés par le roi, s’exercent avant de devenir officiers de cavalerie, le corps le plus prestigieux de l’armée. Pour y entrer, il faut avoir 15 ans, mesurer moins de cinq pieds deux pouces (1m68), être bien fait de sa personne et fournir la preuve de sa noblesse qui est vérifiée par le généalogiste de la Cour. Aujourd’hui les écuries existent toujours. Créée en 2003 par Bartabas, soucieux de transmission artistique, l’Académie équestre de Versailles est un corps de ballet unique au monde. L’enseignement original associe le travail de dressage de Haute Ecole et diverses disciplines telles que l’escrime, la danse, le chant ou le Kyudo (tir à l’arc japonais). Les écuyers acquièrent une véritable sensibilité artistique. Le spectacle de répertoire « La voie de l’écuyer », chorégraphié par Bartabas évolue et s’enrichit chaque année de l’expérience des écuyers. Ouvertes tout l’été, les portes de ce lieu atypique « La Grande Ecurie du roi » offre aux visiteurs l’occasion de découvrir le travail de cette école des pages contemporains et d’assister à un spectacle d’une suprême élégance.

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La Normandie sera  pour Claude Monet sa province de prédilection, celle de son enfance au Havre où son père, négociant, s’installe en famille en 1845, cinq ans après la naissance de Claude, et demande à la municipalité d’accorder une bourse à son fils, visiblement doué pour le dessin. Sa requête sera rejetée. C’est alors que le jeune homme  se recommande comme élève auprès d’Eugène Boudin qui tient un commerce de papetier-encadreur et profite de ses moments de loisir pour les consacrer à son chevalet. Séduit par son travail, Monet lui emboîte le pas : «  J’achetais une boîte de peinture et nous voilà partis pour Rouelles, sans grande conviction de ma part … Boudin installe son chevalet et se met au travail. Je le regarde avec quelques appréhensions, je le regarde plus attentivement, et puis ce fut tout à coup comme un voile qui se déchire : j’avais compris, j’avais saisi ce que pouvait être la peinture ; par le seul exemple de cet artiste épris de son art, et d’indépendance, ma destinée de peintre était ouverte. » - racontera-t-il le 31 août 1911 dans son journal, rendant à Boudin ce qu’il doit à Boudin.

Ses premières toiles seront les paysages des environs du Havre et de la campagne havraise dont Boudin lui a fait découvrir les charmes et, cette première étape dans son existence d’artiste en herbe, celle de la formation, des rencontres et des amitiés. A cette expérience sur le terrain, il va ajouter, sans plus  tarder, des séjours à Paris afin de former son jugement au contact d’autres artistes auxquels Boudin l’a recommandé et à celui des salons où tout se joue sur le plan du jugement esthétique. Monet fait déjà preuve, dans son courrier, d’une étonnante perspicacité et d’un bon esprit de synthèse et entend  forger son jugement et choisir son style en toute indépendance, ce  qui fera très tôt de lui un chef de file.

En 1865, l’artiste expose au salon  2 œuvres : « L’estuaire de la Seine à Honfleur » et « La pointe de la Hève à marée basse » et obtient un succès d’estime grâce à ses effets lumineux très personnels. En 1866, il est à Honfleur et y passe l’hiver, soit à l’auberge Saint-Siméon, soit à l’hôtel du Cheval blanc où  il a installé son atelier. Il travaille alors à sa toile « Les femmes au jardin » et « Le chemin enneigé », une vue de la route de Trouville derrière la ferme Saint-Siméon qui prouve son goût de la solitude dans les moments de création et son aptitude à résister aux intempéries en travaillant des heures à l’extérieur et  par tous les temps.

L’année 1870 le mène à Trouville où il se consacre à des sujets assez proches de ceux de Boudin : la plage, l’hôtel des Roches-Noires, les jetées, le port. Monet traverse alors une situation financière difficile. De plus, le 19 juillet, la France déclare la guerre à la Prusse et le 9 septembre Monet ne peut plus payer son hôtel, si bien qu’il part se réfugier à Londres. Néanmoins, ces toiles trouvillaises respirent la gaieté et la joie de vivre. La plage est inondée de soleil, les personnages apparaissent détendus, les robes à crinolines et les drapeaux suggèrent une douce brise. Il semble que le peintre ait fixé le moment où tout se fige en un instantané de bonheur. Mais ces sujets ne font pas moins partie du répertoire de son maître … Ainsi les embarcations à l’entrée des jetées de Trouville/Deauville où l’on saisit les détails de la vie quotidienne, des barques amarrées les unes près des autres, des promeneurs sur la jetée et des laveuses au bord de la Touques, tandis que l’on apprécie la beauté d’une voile orange qui anime l’eau et y suspend son reflet alors que les nuages naviguent en ce double miroir.

En 1871, Charles d’Aubigny, peintre confirmé, le présente à Paul Durand-Ruel qui deviendra son marchand attitré et qui, d’emblée, décèle le génie de Monet : « Voilà un jeune homme qui sera plus fort que nous tous. » Mais vivre à Paris ne complaît pas au jeune peintre. Il n’aime guère la vie citadine, redoute d’y perdre sa vérité et sa sensibilité dans un monde où se font et défont si aisément les réputations et les modes. En 1874, aux paysages normands du Havre et de Rouen s’ajoutent ceux de la Seine que Monet va immortaliser avec passion après s’être installé à Argenteuil. Il y évoque volontiers les fêtes au bord de l’eau et les voiliers glissant sur l’onde paisible. Mais cela sera de courte durée. Les années 1880/1890 voient ses retours répétés en Normandie avec des points d’ancrage à Etretat et Pourville et bientôt Giverny, où il s’installera en 1883. Sa situation financière s’étant améliorée grâce aux ventes de Durand-Ruel, il s’achète une jolie demeure qui deviendra son port d’attache afin d’y élever sa nombreuse tribu auprès d’Alice Hoschedé, épousée après la mort de Camille, et qui a elle-même six enfants auxquels s’ajoutent les deux fils de Monet : Jean et Michel. Il lui arrive souvent de consacrer 10 à 12 séances de travail à une seule œuvre et de la parfaire sans cesse en la comparant à l’original : la nature. Ainsi à Etretat où il tente d’innover : « Je compte faire une grande toile de la falaise d’Etretat, bien que ce soit terriblement audacieux de ma part de faire cela après Courbet, qui l’a faite admirablement, mais je tâcherai de la faire autrement. »

A Rouen, il poursuit son combat contre le temps en saisissant la façade de la cathédrale à toutes les heures du jour alors que la lumière ne cesse de se modifier et de transfigurer ou de dramatiser l’édifice, déployant elle aussi sa palette aux mille et une métamorphoses. C'est en étudiant la nature que Monet avait eu l'idée de ces séries si fameuses comme celles des peupliers, plus tard des nymphéas.  Octave Mirbeau écrira au sujet des peupliers : " J'ai éprouvé là des joies complètes, une émotion que je ne puis rendre, et si profonde que j'aurais voulu vous embrasser.  La beauté de ces lignes, la nouveauté de ces lignes et leur grandeur, et l'immensité du ciel, et le frisson de tout cela ... Vous entendez, mon cher Monet, jamais, jamais, aucun artiste n'a rendu de pareilles choses ; et c'est encore une révélation d'un Monet nouveau ... je suis atterré." Il est vrai que chaque version a sa lumière, son atmosphère ; sur l'une d'elle il y a du vent, sur l'autre du soleil, sur une troisième de la pluie. Au sujet de la cathédrale, Monet choisira une touche rugueuse en écho avec la pierre de l'édifice qui accroche la lumière et la fait vibrer. Ainsi l'artiste transmet-il un sentiment de vie, une impression de mouvement, tandis que la lumière bénéficie de couleurs franches et vives que l'on ne discerne pas réellement dans la nature mais qui paraissent néanmoins naturelles sur la toile. Monet et les artistes impressionnistes perçoivent et peignent la lumière de façon différente de celle des artistes qui les ont devancés, tant ils sont poussés par la quête de la beauté de l'instant et de l'impression reçue.

Par la suite, Clemenceau, son ami fidèle, imposera ses « Nymphéas » à l’Orangerie et s’écriera le jour de ses obsèques en arrachant le drap noir que l’on avait posé sur son cercueil : « Pas de noir pour Monet ! »

Armelle BARGUILLET HAUTELOIRE

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